1.五种记忆方法提高背谱效率

钢琴演奏是一项复杂的心智活动，它不仅是手指的长期磨练，更包含无数精密的思维活动过程，思维能力的高低直接影响学习者的演奏水平。

而记忆是钢琴演奏才能中很重要的一部分，也是钢琴学习的思维活动中重要的环节之一。从一个音符、一个手指动作的记忆，到一个乐句、一首乐曲，直接影响整个钢琴学习历程的种种弹奏模式的记忆积累。

“钢琴学习的记忆是一种技能学习的记忆。在心理学中‘技能’指的是人们在活动中运用知识经验经过学习而获得的完成某种任务的动作方式和心智活动方式。”

在熟练技能形成的初级阶段，演奏者依靠外部信息特别是视觉上乐谱的信息来控制整个弹奏动作，到对整个乐曲的熟练程度达到一定阶段的时候，在头脑中就会记住身体、手指运动等一系列的程序，最后逐渐形成弹奏的自动化，也就是背谱弹奏。

牢固的记忆是背谱的基础，由于记忆的障碍而在舞台上发生错误甚至停顿的意外时有发生，因此，充分发挥有效的记忆，在舞台上保持清醒的头脑，对于钢琴演奏者来说是十分重要的。

要提高记忆的有效性，就应该观察大脑记忆的动作特点。记忆的过程包括识记、保持和回忆。钢琴弹奏熟练技能的形成是这三个过程不断反复的结果。在此基础上再加上科学的记忆方式，就会产生理想的效果。

记忆是一种综合能力。按照记忆的方式不同，可大体总结为五类。

音响的记忆

这是将音响效果作为记忆的主要依据，也是我们最常用的一种记忆方式。

用耳朵听音响，可以把乐曲的织体和它所产生的效果结合起来。心中想着音乐，可以帮助你的手随之做出正确的演奏动作。

不同的和声、调式、织体所产生听觉效果，是强化记忆的一个重要途径。大多数钢琴家都能够在不弹琴时从内心听到自己所演奏的音乐，这也是通过音响来加强记忆的一种方法。

你可以用这样的方法进行练习，从一首短曲开始，分析这首乐曲的织体形式和风格。将乐谱放在你的面前，准确的弹奏几遍。然后停止弹奏几小时，并试着在大脑中描绘出乐曲乐思的进程，试图在内心倾听这首乐曲。

如果你已经能记住其中的一些部分，那么就应该离开钢琴，先来反复回忆那些遗忘的部分，以便再次获得完整的记忆。然后在几小时之后再回到钢琴上背奏这首乐曲。

如果某些地方你仍然没有记住的话，就看着乐谱把这些部分按需要多弹几次，然后再将乐曲从头到尾弹奏一次作为检验，看看那些模糊不清的地方这次是否弹得好些了。

如果还是不行，就应该再离开钢琴重新默读乐谱。在这段时间内，不论在什么情况下，都不能跳过那些没有把握的乐段，进入乐曲的其他部分。因为如果这样记忆的话，就会失去乐曲的听觉逻辑发展，造成记忆的混乱而损害记忆的接受能力。

当每一乐句的旋律走向，起伏变化，语调表情，指法奏法等都经过了反复仔细的练习过后，已经能信手弹得满意，乐曲的整个音响效果已经牢牢地印在脑子中时,谱自然就背下来了。

位置的记忆

这是将手指在键盘上的位置作为记忆的主要依据。

钢琴演奏从动作的结果而言，是手在键盘上的位置的连续变化。因此，将眼睛对于键盘位置的视觉与手对于键盘位置的触觉结合起来，也是钢琴演奏记忆的一个重要方面。

在舞台表演时，手的位置记忆经常起着相当重要甚至是主导性的作用。许多演奏者都是通过把乐谱上记载的音乐转化为演奏动作，再转化为手与键盘的相对位置来记忆的。

位置的变化是通过无数次重复练习后形成的习惯动作，这对于演奏的准确性有很大关系。问题是如果万一在舞台上出现位置错误，演奏者必须有充分的能力和准备在极短的瞬间把手调整到正确位置上来。这就取决于演奏者在日常练习中对细节的位置的记忆和控制的程度。

动作的记忆

这是将肌体作为记忆的主要依据。

演奏动作经过无数次的重复练习，会由生疏变为熟练，也会由有意识变为无意识。这种连续的无意识动作，非常有助于记忆。

弹奏钢琴既要用脑子记谱，同时手和手指的触觉位置也可以加强记忆力。触键时手的状态，用力的习惯，乐曲的弹奏动作所形成的整体线路，以及手指的间隔等许多感觉，都会进入背谱的记忆中。这就像一条已经走得很熟的路，用不着刻意想，就知道从哪往哪拐弯儿，就能到达目的地。

但是，动作记忆建立在极端熟练的下意识动作上，不能成为背谱的最重要出发点。

因为我们在弹奏一首作品时，都是一遍遍反复练习，这在很大程度上是依靠手指的机械运动。当乐曲练熟后，就可以凭借手的习惯性动作去演奏。这时肌肉和手指的运动都处于一种惯性状态，如果整个记忆是建立在这种动作的基础上，就有很可能因此而产生记忆障碍。

万一在舞台上动作中断，就会容易发生由于继续不下去而使演奏中止的意外。因此，动作记忆虽然帮助背谱的重要方面，但却不适合作为背谱的主要方法。

有的演奏者从不依靠理性的分析背谱，而仅仅在不断重复的练习过程中，依靠这种无意识的动作来背谱，这是很危险的。实际上任何错误都是大脑没有正确指挥的结果。这不仅是无效的记忆，而且由于记忆总是把练习过程中所有动作、音响信息都存入大脑，这就给记忆提供了错误的信息。

因此，练琴时集中精力的重要性就需要我们的高度注意，如果大部分练习时间只不过是在盲目地重复弹奏动作，就很容易导致错误——纠正——再错误——再纠正的恶性循环。

我们要通过积极的练习来避免这种情况的发生，不能仅仅依靠手指的惯性来弹奏，而是要通过大脑内部集中精力的重复练习来完成每一个细节。

这样就能直接让大脑练习正确指挥，让弹奏的无意识控制成为有意识的控制。虽然动作的无意识是练习的最终目标，但同样需要经常有意识的练习来保证无意识控制的准确与稳固。

谱型的记忆

这是将乐谱作为记忆的主要依据。

伟大的作曲家舒曼曾经说过这样一句话：“你必须练习要看到纸上的乐谱，才懂得音乐的进行，以及每个音符在键盘上的位置。”

每首乐曲都有它谱面的“形状”，许多钢琴家都能把乐谱上所记载的一切都记在脑中，能在演奏时“看到”乐谱，甚至会看到谱子是如何一页一页翻过去的。

谱形记忆是背谱的基础之一。极少数钢琴家能够做到只读谱子一遍不练就能将乐谱背出。当然，这是一种特殊的才能，但只要你经常加强读谱练习，任何演奏者都能拥有这种背谱的能力。

在背谱时要先看着乐谱非常仔细地缓慢地练习，到你能弹奏得比较准确之后，再重复那些你觉得复杂的地方，直到记住作品的整个结构为止。

这时你可以把乐谱放到一边，回忆这首作品的乐思，当接不下去的时候，你的脑子应下意识的思索，努力找到断掉的乐思，如果什么都记不起来，就要在乐谱查看这个连接的地方，继续看谱练习，直到大的轮廓上和小的细节上都看清楚记住了再背谱弹奏。

练习时将你眼睛看到的乐谱都储存在大脑中，在反复回忆乐谱的同时，音符、节奏和各种记号都变成音乐，一同记忆在大脑中。

需要注意的是，背奏时要一乐句一乐句地背，不要一小节一小节地背。乐句是音乐的基本单位，而不是小节（除非乐句的长度恰好和小节一样）。

背奏是背音乐的思想，不是背乐谱上的符号。许多人浪费很多时间去单个背记那些黑色的音符，这是荒唐而无意义的。要背记音乐的思想，背记作曲家的构想，这才是需要抓住的东西。

分析的记忆

这是将对于作品的理性分析作为记忆的主要依据。

对于能迅速背奏的人，不用在这方面花费太多的精力。有的人似乎天生一幅敏捷的头脑，能在极短的时间内在头脑里留下印象。可是有时这种印象来得快，消失得也快。对于背奏能力差的人也不必烦恼，只要能坚持练习分析记忆，也会有很大的提高。

你越是多分析，谱子就越牢固的留在脑中。对于一首作品，分析得越细致、越深刻、越透彻，这种记忆也就越牢靠，能深深刻入脑海，甚至很久都不会忘。

分析包括曲式结构、调性布局、和声进行、对位复调、织体变化等等。如果演奏者能对音乐的每一个细节都了如指掌，做过清晰地分析，那么，这类对音乐作品分析的记忆，尤其是对曲式大结构框架的记忆，与前几种方式相比有更深刻的理性特征，因此更加牢固。

即使多年没有演奏过的乐曲，我们仍然能够通过对骨架结构的掌握和对曲式结构的分析记忆，将整个乐曲背奏下来。

例如，我们要对和声的要素加以分析好好牢记，和弦是音乐的文字，和弦的连接虽不像句子中文字的连接那样简单，但是和声中和弦的模进，对背奏却大有帮助。

因此，理性的分析记忆是整个记忆过程中的骨架。只有在音乐的动机、乐句、乐段、曲式、结构、和声、织体、调式调性等内容记忆准确的基础上，才能实现完美的背谱演奏。

那么应当如何分析呢？

这里以卡尔·莱默尔对巴赫《E大调法国组曲》中《阿勒芒德舞曲》第一小节的分析为例：“E大调，4/4拍。大声并短促的数节拍。

第一小节右手仅仅是带有两个经过音的E大调三和弦的和弦音。其顺序为：在弱起的b1之后是以升g1开始的E大调三和弦；之后是作为经过音的a1、和弦音b1及 e2、e1、e2，升f1也作为经过音，之后是e2。接下来是对这一小节前半部的完全重复。

左手从第二个八分音符开始，其顺序为：e、升g、b、e1以及E大调三和弦的反复。” 这样细致的分析使人印象深刻，很难忘记，即使中断也能够通过回忆接着弹下去，使得记忆牢靠。

以上五种记忆方式不是相互割裂、孤立进行的，每种方式各有各的用处和长处，它们之间很自然的相互渗透，以致在实际背谱过程中很难分出次序。

每个人都有自己习惯的背谱方式，个人的侧重点也会有所不同。然而有一点可以确定，我们决不能仅仅依靠其中一种方式记忆的，演奏者只有通过依靠眼耳身脑的协作，才能建立起牢固的记忆。

同理，音乐之路，梦想之路，也从来不是单一的努力就能收获成功！

2.验证码这么难，是机器太聪明还是人太笨？

原文来自THE VERGE，作者Josh Dzieza

原文链接：https://www.google.com/search?q=%E2%80%8Bhttps%3A%2F%2Fwww.theverge.com%2F2019%2F2%2F1%2F18205610%2Fgoogle-captcha-ai-robot-human-difficult-artificial-intelligence&oq=%E2%80%8Bhttps%3A%2F%2Fwww.theverge.com%2F2019%2F2%2F1%2F18205610%2Fgoogle-captcha-ai-robot-human-difficult-artificial-intelligence&aqs=chrome..69i57j69i58.771j0j7&sourceid=chrome&ie=UTF-8

有一次，Google不断要求我证明自己的人类身份，且这一流程越来越咄咄逼人。“我不是机器人”的按钮过于简单可爱，以至于现在我们愈发需要通过其他操作证明自己的身份。

系统可能要求我们选择图像网格中所有的红绿灯、人行横道或者店面。很快，验证码中的红绿灯就被埋在了远处的树叶里；人行横道弯弯曲曲，在拐角处若隐若现；店面的招牌变得模糊不清，而且还是韩文标语。有的还要求用户辨认一个消防栓，这也太难了。

这些俗称验证码的测试被称为CAPTCHA，这是一个缩写，意思是区分用户是计算机或人的公共全自动进程，它们一度达到了这种不可理喻的难度。

在21世纪初，简单的文本验证码足以阻挡大多数垃圾邮件。但十年后，在Google从卡内基梅隆大学的研究人员那里购买了这个程序，用于Google图书的数字化之后，文本变得越来越扭曲模糊，以求领先于不断进步的光学字符识别程序。

从某种意义上来说，所有试图解决验证码难题的人都在帮助改进这些程序。

由于验证码是训练人工智能（AI）的一个绝佳工具，任何给定的测试都只能是暂时的，这是其发明者在一开始就承认的事实。所有这些研究人员、骗子和普通人都在AI能力的极限下解决了数十亿个谜题。

未来某个时刻，这些机器将会超过我们。2014年，Google让一种机器学习算法与人类竞争，来识别最扭曲的文本验证码：计算机的正确识别率有99.8%，而人类只有33%。

Google随后诉诸于NoCaptcha ReCaptcha，它通过用户点击“我不是机器人”按钮，来观察用户数据和行为。有些情况可以直接通过，有些时候就需要完成图片选择验证。

但是机器又一次迎头赶上了人类的表现。那些似是而非的图片，就成了人类与机器的决赛。

芝加哥伊利诺伊大学计算机科学教授杰森·波拉基斯认为，如今验证码难度的增加有他的一份功劳。2016年，他发表了一篇论文，利用现成的图像识别工具，包括Google自己的反向图像搜索，以70%的准确率解决了Google的图像识别问题。

其他研究人员则利用Google自己的音频识别程序解决了Google的音频验证码。

波拉基斯说，机器学习在基本的文本、图像和语音识别任务上已经和人类达到了差不多的水平。事实上，算法可能在这方面做得更好：“我们为了让软件更难识别验证码，反倒给人们带来了更大的不便。我们需要一些替代方案，但目前还没有具体计划。”

关于验证码的文献中充斥着错误的出发点和奇怪的尝试，试图找到人类普遍擅长的、机器难以对付的文本或图像识别以外的东西。

研究人员试图让用户根据面部表情、性别和种族对人物图像进行分类。也太离谱了。有人提议使用一些琐碎的验证码，以及基于大家都熟记于心的儿歌的验证码。这种文化验证码不仅针对机器人，还针对海外的验证码码农，他们靠破解验证码获利。

最近有人致力开发游戏类型的验证码，要求用户将对象旋转到特定角度或将拼图块移动到位，指令并非以文本形式给出，而是以符号形式给出，或根据游戏界面的上下文暗示得出。他们觉得人们能够理解这种谜题的逻辑，而机器则会因为缺少明确的指令而陷入困境。

其他研究人员试图利用人类有实体这一事实，使用设备摄像机或增强现实技术来交互，证明人类的身份。

许多测试的问题其实不一定在于机器人太聪明，而在于人类的表现太差。这并不是说人类太蠢，而是人类在语言、文化和经验上有着广泛的多样性。

如果不考虑所有这些，就去设计一个任何人类不需要事先训练或深思熟虑都能通过的测试，你只能选择像图像处理这样的残酷任务，而AI也会愈发擅长这种任务。

“测试受到人类能力的限制，”波拉基斯说，“不仅是我们的基本能力，你还需要一些跨文化、跨语言的能力。你需要设计出希腊、芝加哥、南非、伊朗和澳大利亚的人都能同时达成的某种挑战，它必须独立于复杂和差异性的文化。”

“你设计出的验证码要让所有普通人都能轻而易举地完成，而非特定的人群，同时这种测试也要让电脑难以通过。这给实际工作带来了很大的限制。这种验证必须是人们能很快完成的事情，而且不会太烦人。”

如何解决这些模糊的图像问题很快上升到了哲学层面：什么是可以向机器展示但机器又无法模仿的人类普遍素质？什么是人类？

但也许我们的人性不是由我们如何完成一项任务来衡量，而是由我们如何在世界（或互联网）上行动来衡量的。

舒曼·戈斯马尤德说，游戏验证码、视频验证码，不管你设计的是什么样的验证码测试，最终都会被破解。他曾在Google负责打击点击欺诈，后来成为机器人检测公司Shape Security的首席技术官。

相比测试，他更喜欢所谓的“持续认证”，这种操作本质上就是观察用户的行为并寻找自动化的迹象。

“真正的人类无法很好地控制自己的运动机能，他们无法每次都以同样的方式移动鼠标。”戈斯马尤德说。机器人无需移动鼠标，或可以非常精确地移动鼠标来与页面进行交互，而人类的行为具有难以模仿的“熵”。

Google自己的验证码团队也在思考类似的问题。2018年底发布的最新版本reCAPTCHA V3使用“自适应风险分析”，根据可疑程度为流量评分。

网站所有者可以选择向潜在危险用户提出挑战，比如密码请求或双因子身份验证。根据验证码团队的产品经理西·霍尔梅的说法，Google不会披露评分标准包含哪些因素，只是说Google会观察网站的“优质流量”有哪些特征，并以此来检测“劣质流量”。

安全研究人员说，评分因素很可能是cookie、浏览器属性、流量模式的混合，以及其他因素。新的机器人检测模式有一个缺点——体验不佳，需要在浏览网页的同时进行最小程度的监视，因为VPN和反跟踪扩展等东西会让用户被标记为可疑。

Google验证码团队的工程主管亚伦·马伦芬特说，放弃图灵测试是为了避开这场人类不断输掉的竞争。

“随着人们在机器学习上投入越来越多的资金，这些挑战对人类来说越来越难，这也是我们推出CAPTCHA V3的原因，我们想要走在这一趋势前面。”

马伦芬特说，5到10年后，验证码可能根本不可行。相反，大部分网页都会有一个持续的、秘密的图灵测试在后台运行。

《最有人性之人》一书中，布莱恩·克里斯蒂安作为人类对照参加了图灵测试比赛，他发现，在对话中证明人类身份是相当困难的。

另一方面，机器人很容易通过测试，并非因为它们是最能言善辩或最聪明的健谈者，而是因为它们用不符合逻辑的笑话和错误输入来回避问题。

在2014年机器人赢得图灵比赛的案例中，机器声称自己是一个13岁的乌克兰男孩，无法很好掌握英语。毕竟，犯错是人之常情。

世界上使用最广泛的图灵测试验证码也有可能迎来类似的未来——这场新的军备竞赛并不是要创造出在标记图像和解析文本方面超越人类的机器人，而是那些会犯错、错过按钮、分心和切换标签的机器人。

“我想人们已经意识到了。现在已经有一个应用程序可以模拟普通的人类用户……或者说是比较蠢的人类用户。”

验证码也可能会永远存在。Amazon在2017年获得了一项专利，该专利涉及人类在破译视觉幻觉和逻辑谜题时遇到的巨大困难。这被称为通过失败进行的图灵测试，成功唯一的方法是给出错误的答案。

3.沾染人血的G大调：变态杀人狂爱听什么交响乐？

懂得享受交响乐的人智商绝不会低，当这类人变成吃人肉的变态杀人狂，那这故事实在太炸了！

多数人看来，交响乐永远是神仙才能听懂的玄幻声音，一般用于催眠。其实，我们每个人都听得懂交响乐，只是在浮躁的世界中没有机会感受，今天请来一位豆瓣大神艾小玛，让她带各位通过变态杀人美剧「汉尼拔」故事，入门交响乐。

文章旁征博引很有趣，值得耐下心慢慢感受。

本文由 豆瓣作者艾小玛「ID：78088543」

授权转载

「汉尼拔」是一部惊人的作品。

从美学角度上说，这部剧是无以伦比的——无论是Hannibal优雅的三件套，堪称艺术品的人肉料理，巧妙的古典音乐背景；抑或是意味深长的台词，丰满不走形的人物形象，精心设计的灯光场景。

出于对这部剧的疯狂热爱，我拖拖拉拉地花费差不多几周时间，把里面的音乐梳理了一次。如果你喜欢古典音乐，又不知道如何入门，「汉尼拔」则是一部很好的教程；

如果你和我一样喜欢「汉尼拔」，那么，不妨一起来听听音乐。

【S1E1】

Hannibal第一次出场背景音乐是——巴赫「哥德堡变奏曲」。

「哥德堡变奏曲」是巴赫晚年羽管键琴作品，当时他的眼睛已经不是很好了。

这部作品的主题源自于巴赫写给妻子安娜的一首萨拉班德舞曲（G大调），随后发展出30个变奏——第一个变奏咏叹到最后一个Quodilbet。

在Quodilbet中，他加入了两首当时的流行歌曲，「桌上只有萝卜白菜，我要走人了」和「离开家已有许久」，两首曲子在里面形成有趣的对位。

现在，我们仍然能在音乐会中经常听到这部作品，演奏乐器大部分以钢琴为主。

推荐录音版本：古尔德，朱晓玫、索科洛夫

【S1E2】

第二集，汉尼拔请FBI的杰克来家里吃饭。背景音乐选用的是巴赫「勃兰登堡协奏曲」，这部作品是献给一个住在勃兰登堡的侯爵。

巴赫曾经认为侯爵有可能成为自己未来的老板，所以费尽心思，写了一部巨难无比的作品来展示非凡的作曲技巧。估计巴赫本人也不知道，他不仅仅写了一部求职作品，同时还把大协奏曲体裁推向巅峰。

「勃兰登堡协奏曲」有着最华丽炫酷的复调技巧，旋律精妙灵巧，木管乐器的部分更是令人「过耳难忘」。

【S1E4】

肖邦B大调夜曲（第九首）

作品号：Nocturne No.9 in B, Op.32 No.1

场景：他们两个在讨论Abigail 是否应该继续接受心理治疗。这样的音乐，再配上Hannibal略微生硬的北欧口音，还有那超有味道的面孔！每次到这一段都想舔屏幕啊！咳咳……

肖邦的夜曲很有特点，旋律富有歌唱性，大部分都抒情缓慢，还有各种琶音作为装饰。上学的时候，教授说夜曲是肖邦的私密日记，记录着他的心路历程。如果你渴望窥探肖邦最深处的挣扎与快乐，就必须好好读读夜曲。

当然，你若是嫌弃搞研究太无聊；那么，就找一个像美国队长一般的小哥，到家里一起听听肖邦夜曲吧。

身为一个FBI的头头，每天不想着破案，天天去食人魔那里吃饭，真的合适么！摔！

这段吃饭的背景音乐是肖邦降E大调夜曲。

【S1E7】

开场是女高音唱亨德尔「凯撒大帝」。汉尼拔坐在台下听着演唱，都感动地流泪了。

「凯撒大帝」第一次首演是在1724年的伦敦，故事由海姆改编，主要背景是写发生在公元前埃及的历史故事。

亨德尔从小就展现出音乐天赋，不过他爸爸想让儿子去当律师，不要去搞音乐。在那个时代，搞音乐不是什么拿得出手的职业。不过，亨德尔一心热爱艺术，投身于创作，还是第一位采用英语演唱清唱剧的作曲家。「弥赛亚」中的片段「哈利路亚」是亨德尔最广为人知的作品。

汉尼拔在家和DR.Bloom做饭，喝啤酒调情那一段（Will在旁边默默擦眼泪）。背景音乐是肖邦的前奏曲，作品号OP.28 NO.13.

肖邦这辈子写过24首前奏曲，以及24首练习曲。这部作品对于钢琴学习者有特殊的意义，曾经有一位知名的钢琴教育家认为如果你在16岁以前不能在音乐会上完整演奏这48首曲子，以后的发展会大受限制。

说起肖邦，还要提一下他的女朋友——乔治.桑。根据历史的记载，乔治.桑是一个身高娇小，经常爱穿着男生的衣服进入各种场合，有着较高的文学修养和创作能力的妹子。在女性欲望被压抑的年代，乔治.桑是叛逆的，在经历过一段无趣的婚姻后，她选择一种更愉快的生活方式——日日纵情声色，同时拥有3-4个情人。

当世俗对她进行指责，她则振有词地说「有多几个情人怎么了？」肖邦和乔治.桑交往了8年，分手的原因众说纷纭，比较主流的观点是乔治.桑厌倦照顾病怏怏的肖邦，而肖邦又是个醋坛子，两人经常发生矛盾。在他们交往的日子里，肖邦的创作能力达到巅峰，在分手后，肖邦受到巨大的打击，精神萎靡，身体不适，后来就没有写出太多的作品，1849年，39岁的肖邦在巴黎病逝，心脏被运回波兰。

做人肉料理的时候，背景音乐是歌剧「浮士德」中的选段。

那天，Hannibal在办公室里落寞地等着基友Will，不过Will竟然失约了……呜呜呜……

遭遇挚爱放鸽子的Hannibal，心情可想而知！背景音乐选用了莫扎特的Lacirmosa（安魂曲），和画面意境特别搭。

通过莫扎特的作品，我们常常能感受到他是一个极其虐心的人物。尽管他号称自己的音乐「一个音符都不多，一个音符也不能少」。

实际上，莫扎特的许多作品都写的过于丰满，甚至有一丝炫耀的意味；隐藏在这份「炫耀」之下，并不是成功人士笑看Low货的傲慢，而是音乐会散场后的寂寞与悲凉。莫扎特是矛盾的，一面是表演性人格，写尽最轻巧欢乐的旋律；一面是强颜欢笑，努力寻找人世间的平衡。

Hannibal做饭招待客人吃人肉，音乐选段是维瓦尔第四季「冬」第二乐章，在这里的向大家推荐薛伟年轻时代录制的版本。

对于音乐家而言，技巧是重要的，而审美和品味是更重要的东西。薛伟完美地掌握了这两项技能，他年轻时代的演奏，处处洋溢着灵光与火花，在柴可夫斯基小提琴比赛后，他跻身于世界级舞台，成为当时最热门的小提琴家。可惜，这些年薛伟大师沉溺于各种社交生活，缺乏足够的练习，音乐会一场比一场惊悚，想想还有点可惜呢。

【S1E8】

小男孩拉的是G大调小步舞曲，巴赫所作。不过现在有一些研究者认为这首曲子的原作者应该是克里斯蒂安.佩措尔德。

Hanniabl一共有3大爱好：

• 杀人吃肉

• 和Will摸摸小手，谈谈情

• 和其他杀人狂吃饭饭，聊聊天

他请Tobias吃饭的时候，一同聊聊彼此的杀人心得，品味美食什么的。背景音乐用的是门德尔松的「仲夏夜之梦」。门德尔松是一个妥妥的名门之后，家里的客人都是艺术家，名流。在他还是个小正太的时候，经常在家庭音乐会中唱歌演奏，还师从著名的管风琴家博尔格学习。

在16岁的时候，门德尔松已经写出了「卡玛丘的婚姻」，在17岁的那一年，创作出「仲夏夜之梦」。

创作「仲夏夜之梦」的初衷，是由于他读了莎士比亚的作品，深受启发，立刻就写了一段序曲，结果大获成功。17年后，国王大人太喜欢这部作品了，邀请门德尔松继续写下去，后来，他又写了13段音乐，其中包含了最广为人知的「婚礼进行曲」。

再补充一段，门德尔松是一个很萌的人，他经常斥责小镇人民的生活懒惰、就知道吃喝、不追求逼格；热衷于批判庸俗、浮夸的食物。建议各位身患拖延症，不思进取的少年们把门德尔松的照片贴在床头作为激励。

杀人后应该肿么办？当然是含情脉脉地看着基友，再弹一首「哥德堡变奏曲」！这个和开头的版本不一样，是羽管键琴演奏的。

【S1E9】

在这一集，出现了贝多芬「悲怆」奏鸣曲。

贝多芬的高尚之处并不是语文课本胡扯的那些。在私生活方面，他每段恋爱都非常短暂，狂热地追求女生而常常把她们吓跑，偶尔还和出版商扯的不清不楚（还涮过经纪人什么的），并不是什么圣人；但是，他对于自由、平等的追求，却十分执着。无论在社会实践或作品中，他都源源不断地强调着这种态度。

贝多芬由于家庭原因没有接受系统的教育，但是他却接受了「极其高质量的教育」。他除了学习音乐和作品，还去波恩大学选修哲学和希腊文学。这段岁月带给贝多芬莫大的影响，他结交了许多哲学青年，艺术家，深受启蒙运动影响。

在那个时代的艺术家，都必须依靠贵族的赞助才能讨口饭吃，所以，艺术家讨好贵族是再正常不过的事情。而贝多芬却不这样认为，他认为身为人——自尊和内在的自由至关重要，海顿曾经诧异于贝多芬对于赞助者的傲慢态度。

贝多芬曾经很欣赏拿破仑，一直到拿破仑称帝。

当他听到这个消息的时候，深感愤怒，认为这种行为践踏了自由、平等、人权等崇高理想；所以，他把「第三交响曲」封面的「波拿巴的大交响曲」划掉，最终，这部作品献给了劳勃科维茨的亲王。

这一幕是Hannibal一家三口（T_T）&女记者一起吃饭，选择的配乐是贝多芬「悲怆」奏鸣曲。

【S1E10】

这首曲子是巴赫平均律第一卷的C大调前奏曲。

曾经有音乐家认为巴赫「十二平均律」是一部圣经，而对于巴赫来说，他从未抱着来创造历史的心情去创作。他当时只是想写一些作品用于教学，其次，他为了展现十二平均律可以任意转调。

「十二平均律」一共分为上下两卷，对于每一个专业学习钢琴的学生而言，这是他们学习生涯中最大的挑战。

初出茅庐的年轻钢琴家敢在音乐会上演奏肖邦，勃拉姆斯，拉赫玛尼诺夫，唯独不敢演奏巴赫的作品。在这个世界上，只有最富有勇气、最具有天赋的钢琴大师，才有能力在音乐会上演奏全套平均律。无论站在哪个角度上说，「十二平均律」的难度都绝对是殿堂级，征服它依靠的不仅仅是勤奋，还需要逆天的天赋和永不放弃的练习。

【S1E13】

最后一幕太美又太基，让人无法直视。

人物的个性都被推到极致，Hannibal出于对Will的沉迷，最终把他折腾到监狱里，而Will也将要引来一场新生。在第二季，他们的感情、纠结、冲突也变得更加激烈。

配乐是爱尔兰作曲家写的「Vide Cor Meum」。这首曲子太棒了，似乎象征着虚无世界之中，他们之间那份激烈而无法熄灭的爱意（脑洞好大）。

汉尼拔的第二季，注定是令人心碎的一季。在这一季，仍然有令人惊叹的美学设计，还有基情丰富、紧张迷人的剧情发展。

在这一季里，Will突破自我，看清楚了Hannibal的真面目，同时也为两人的情感所困惑着；而Hannibal发觉自己对Will了解地越多，也越沉迷于其中，最终酿成虐心的大悲剧。

说到背景音乐，这一季仍然选择了许多精妙的作品，从「唐璜」选段到「前奏曲」，从贝多芬交响曲到舒曼「童年情景」。虽然「汉尼拔」是一个超级穷的剧组，「生活大爆炸」一个主演的片酬可以拍两集汉尼拔……但是，制作资金上的紧张并未阻挠「汉尼拔」的高逼格之路。

【S201】

在第二季一开头，首先听到的是舒伯特的作品——降B大调即兴曲。

舒伯特是维也纳人，出生于有点穷的家庭。不过贫穷从来不是天才的障碍，他依靠天赋与聪明，考入唱诗班，跟随A.Salieri学习作曲和演奏。

舒伯特是一个相当高产的作曲家，在16岁的时候，他完成第一首交响曲；18岁，舒伯特开始创作歌曲，一共完成了145首曲子（总作品数600多首！拖延症患者颤抖吧！），写出了「魔王」「野玫瑰」等著名作品。通过早年的作品，我们就能感受到舒伯特的创作风格——顺其自然，抓住每一个灵感迸发的瞬间。

舒伯特在朋友圈的口碑不错，却不太被重视。所以，至到31岁，他才举行了首次音乐会，赚了一点小钱。可惜，不到小半年，他就去世了。

【S202】

这一集很变态。里面有一个场景是Hannibal爬到屋子顶上，看见凶手把人杀掉缝起来，构成一幅「神圣」的画面。

搭配如此变态场景的背景音乐，是鼎鼎大名的——巴赫「b小调弥撒」。

这首作品是巴赫最伟大的作品之一。如果有一天，你在音乐会门票上看见这部曲目，请一定要去现场听，我用5只小鱼干向你保证，你绝对会被其中的宏伟、交响性所震撼。

全曲一共有5个部分，分别是「垂怜经」「荣耀经」「信经」「圣哉经」和「羔羊经」；由于种种阴阳差错的原因，这部作品在巴赫去世后1个多世纪，才第一次在柏林公演。

【S202】

Hannibal在做人肉大餐的时候，音乐是贝多芬第九交响曲的第二乐章。

在这一生中，贝多芬在不同时期创作了9部交响曲。透过这九部作品，我们能知晓贝多芬的创作风格是如何变化的。有兴趣的童鞋，都可以找回来听听看看。

在创作「第九交响曲」的时候，贝多芬突破了过去经验，以及作为音乐家的局限；从整体上看，他选用复杂的和声与调性，大量使用奏鸣曲曲式；从细节上看，他对于旋律和节拍的处理谨慎理、不失创新……这部庄严宏伟的作品，不仅仅是音乐史上最动人的篇章，同样是贝多芬对命运的探讨——在经历过痛苦与温暖，挣扎与沉思后，人类是否能在其中升华？

贝多芬显然不喜欢开放式结局，他不仅提出了问题，也给出了答案。

Hannibal闻酒的样子太可爱，好想摸摸他。

看着是不是很好吃？其实是人肉呢！是不是其实什么肉不重要，重要的是做法……（不要揍我！）

【S2E3】

这绝对是我最爱的一幕……Hannibal和Will分别穿衬衫！

背景音乐是莫扎特「唐璜」中的选段，「她心情平静」(Dalla sua pace)。

莫扎特自幼就非常喜爱歌剧，还曾经跟着阉人歌手学过唱歌；在11岁的时候，莫扎特就写出自己的第一部歌剧。

写「唐璜」的时候，莫扎特已经31岁的了，距离他第一次创作歌剧已经有20年了，所以无论在戏剧性，还是在音乐性上，都是一部相对成熟的作品。

【S2E5】

好喜欢这里的Hannibal，红色的毛衣特别适合他！音乐选用的是舒曼的「童年情景」的第一首。

舒曼是一个典型身患中二病、精神病的大师。他平日除了喜爱写曲子以外，还文笔特别好，酷爱在各种报纸上写文章；如果那个时候有豆瓣，我相信，以舒曼的逼格、勤奋程度，他绝对会是一个红人。

有人说舒曼用「Florestan」和「Eusebius」作为笔名发表；不过更精准地说，舒曼幻想出了两个人，把他们当成趣味相投的朋友。他的整个艺术观念很先锋、激进，常年爱写文章喷保守人物。

逆天，早上就吃那么好，不服！

【S2E10】

吃饭时候的背景音乐是肖邦降D大调前奏曲。这首曲子被称呼「雨滴」，音乐学院的教授普遍很厌恶这种叫法，因为这些名字都是后人脑洞大开，随便编上去，与原曲根本没有任何联系。

乔治•桑（肖邦当时的女朋友）在「我的一生」中记载，回到家的时候肖邦正在写这首曲子，她让肖邦看看外面的雨滴「当我让他留意窗外的雨滴声时，他否认曾听到雨声，还很不高兴我将此称之为模仿和声。」

【S2E11】

背景音乐是马勒「第五交响曲」的第四乐章。

马勒的交响曲都非常非常的长，非常非常的难懂；小学的时候，我妈带我去听马勒，我睡过去了；小学毕业，老师带我去听马勒，我睡过去了；初中的时候，好朋友带我去听马勒，我还是睡过去了……一直到再大了一点，才马马虎虎能听懂一些。

马勒这一辈子过的不是很好，首先是经济原因，其次是反犹的社会风气。在维也纳宫廷歌剧院担任总监的时候，不仅是马勒艺术生涯走到巅峰，也让歌剧院的水平达到前所未有的高度。但是，由于复杂的政治、人际关系等原因，他被迫离开维也纳，跑到美国去了。

对于人而言，沦为犬儒主义或者理中客是容易的事情，只要怀着一种「人重要的是吃饭」「人被阉割没关系，主要是能吃饭」的想法就能办到，总之，自暴自弃是容易的。

但是，马勒对破罐子破摔的LOW货非常看不上眼，他不仅反对社会达尔文主义，并且在一生中，他都在坚守善意和悲悯心，舍弃自身利益为他人仗义执言。

【S2E12】

莫扎特小提琴协奏曲K219，第二乐章。

Will在给狗狗做狗饭。那饭看着很香呢。

肖邦的前奏曲OP.28 NO.2。肖邦我说过太多了，在此就不再多说。 邓泰山， Argerich，Ivo Pogorelich 的肖邦都很不错，大家可以找来听听。

【独一无二的「汉尼拔」】

Hannibal： Mads Mikkelsen是一个成功的饰演者。他并没有复制「沉默的羔羊」中的表演，而是创造出一个独一无二的Hannibal。

Hannibal是孤单的。在漫长的岁月里，他掩盖本性，混迹于上流社会；他彬彬有礼，又和所有人保持距离。他出身贵族，曾经在霍普金斯工作过，精通音乐，绘画，烹饪。论世俗生活，他是金字塔最顶层的那批人；论精神世界，他凌驾于芸芸众生之上。

这样的一个人，你还指望他能和芸芸众生一起掏心掏肺当好基友吗？

身为一个站在云端、内心有自恋倾向的男人，他只会对「稀罕」的人感兴趣。这个人性别、社会地位、长相都不重要，关键是他身上必须有特别珍贵，稀缺的东西——而Will Graham恰恰符合这个要求。

Will Graham：他是一个满足Hannibal想象的人，至少Hannibal在他身上找到许多有趣之处。Will具有移情能力，也称之为共情能力（移情能力是设身处地理解他人感受的一种能力）。

当Will站在犯罪现场，依靠想象来推断出犯罪的想法和动机。他有着最纯粹，也最活跃的想象力，这个天赋既罕见又绝无仅有。Hannibal很快就被这种能力吸引了，他耐心地引导Will走向黑暗，并非出于恶意；而是，他想和Will成为真正的朋友。

如果说Will代表着正义、光明；那么Hannibal则是阴暗的幽灵，想要成为朋友，必须有一方倒向另外一方。

Hannibal如此渴望他们之间的情感，他不则手段，铤而走险，向Will展现出「我到底是个什么样的人」。

图片均转自网络

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4.过目不忘的乐谱记忆能力是怎样炼成的？

钢琴演奏是一项复杂的心智活动，它不仅是手指的长期磨练，更包含无数精密的思维活动过程，思维能力的高低直接影响学习者的演奏水平。

而记忆是钢琴演奏才能中很重要的一部分，也是钢琴学习的思维活动中重要的环节之一。从一个音符、一个手指动作的记忆，到一个乐句、一首乐曲，直接影响整个钢琴学习历程的种种弹奏模式的记忆积累。

“钢琴学习的记忆是一种技能学习的记忆。在心理学中‘技能’指的是人们在活动中运用知识经验经过学习而获得的完成某种任务的动作方式和心智活动方式。”

在熟练技能形成的初级阶段，演奏者依靠外部信息特别是视觉上乐谱的信息来控制整个弹奏动作，到对整个乐曲的熟练程度达到一定阶段的时候，在头脑中就会记住身体、手指运动等一系列的程序，最后逐渐形成弹奏的自动化，也就是背谱弹奏。

牢固的记忆是背谱的基础，由于记忆的障碍而在舞台上发生错误甚至停顿的意外时有发生，因此，充分发挥有效的记忆，在舞台上保持清醒的头脑，对于钢琴演奏者来说是十分重要的。

要提高记忆的有效性，就应该观察大脑记忆的动作特点。记忆的过程包括识记、保持和回忆。钢琴弹奏熟练技能的形成是这三个过程不断反复的结果。在此基础上再加上科学的记忆方式，就会产生理想的效果。

记忆是一种综合能力。按照记忆的方式不同，可大体总结为五类。

音响的记忆

这是将音响效果作为记忆的主要依据，也是我们最常用的一种记忆方式。

用耳朵听音响，可以把乐曲的织体和它所产生的效果结合起来。心中想着音乐，可以帮助你的手随之做出正确的演奏动作。

不同的和声、调式、织体所产生听觉效果，是强化记忆的一个重要途径。大多数钢琴家都能够在不弹琴时从内心听到自己所演奏的音乐，这也是通过音响来加强记忆的一种方法。

你可以用这样的方法进行练习，从一首短曲开始，分析这首乐曲的织体形式和风格。将乐谱放在你的面前，准确的弹奏几遍。然后停止弹奏几小时，并试着在大脑中描绘出乐曲乐思的进程，试图在内心倾听这首乐曲。

如果你已经能记住其中的一些部分，那么就应该离开钢琴，先来反复回忆那些遗忘的部分，以便再次获得完整的记忆。然后在几小时之后再回到钢琴上背奏这首乐曲。

如果某些地方你仍然没有记住的话，就看着乐谱把这些部分按需要多弹几次，然后再将乐曲从头到尾弹奏一次作为检验，看看那些模糊不清的地方这次是否弹得好些了。

如果还是不行，就应该再离开钢琴重新默读乐谱。在这段时间内，不论在什么情况下，都不能跳过那些没有把握的乐段，进入乐曲的其他部分。因为如果这样记忆的话，就会失去乐曲的听觉逻辑发展，造成记忆的混乱而损害记忆的接受能力。

当每一乐句的旋律走向，起伏变化，语调表情，指法奏法等都经过了反复仔细的练习过后，已经能信手弹得满意，乐曲的整个音响效果已经牢牢地印在脑子中时,谱自然就背下来了。

位置的记忆

这是将手指在键盘上的位置作为记忆的主要依据。

钢琴演奏从动作的结果而言，是手在键盘上的位置的连续变化。因此，将眼睛对于键盘位置的视觉与手对于键盘位置的触觉结合起来，也是钢琴演奏记忆的一个重要方面。

在舞台表演时，手的位置记忆经常起着相当重要甚至是主导性的作用。许多演奏者都是通过把乐谱上记载的音乐转化为演奏动作，再转化为手与键盘的相对位置来记忆的。

位置的变化是通过无数次重复练习后形成的习惯动作，这对于演奏的准确性有很大关系。问题是如果万一在舞台上出现位置错误，演奏者必须有充分的能力和准备在极短的瞬间把手调整到正确位置上来。这就取决于演奏者在日常练习中对细节的位置的记忆和控制的程度。

动作的记忆

这是将肌体作为记忆的主要依据。

演奏动作经过无数次的重复练习，会由生疏变为熟练，也会由有意识变为无意识。这种连续的无意识动作，非常有助于记忆。

弹奏钢琴既要用脑子记谱，同时手和手指的触觉位置也可以加强记忆力。触键时手的状态，用力的习惯，乐曲的弹奏动作所形成的整体线路，以及手指的间隔等许多感觉，都会进入背谱的记忆中。这就像一条已经走得很熟的路，用不着刻意想，就知道从哪往哪拐弯儿，就能到达目的地。

但是，动作记忆建立在极端熟练的下意识动作上，不能成为背谱的最重要出发点。

因为我们在弹奏一首作品时，都是一遍遍反复练习，这在很大程度上是依靠手指的机械运动。当乐曲练熟后，就可以凭借手的习惯性动作去演奏。这时肌肉和手指的运动都处于一种惯性状态，如果整个记忆是建立在这种动作的基础上，就有很可能因此而产生记忆障碍。

万一在舞台上动作中断，就会容易发生由于继续不下去而使演奏中止的意外。因此，动作记忆虽然帮助背谱的重要方面，但却不适合作为背谱的主要方法。

有的演奏者从不依靠理性的分析背谱，而仅仅在不断重复的练习过程中，依靠这种无意识的动作来背谱，这是很危险的。实际上任何错误都是大脑没有正确指挥的结果。这不仅是无效的记忆，而且由于记忆总是把练习过程中所有动作、音响信息都存入大脑，这就给记忆提供了错误的信息。

因此，练琴时集中精力的重要性就需要我们的高度注意，如果大部分练习时间只不过是在盲目地重复弹奏动作，就很容易导致错误——纠正——再错误——再纠正的恶性循环。

我们要通过积极的练习来避免这种情况的发生，不能仅仅依靠手指的惯性来弹奏，而是要通过大脑内部集中精力的重复练习来完成每一个细节。

这样就能直接让大脑练习正确指挥，让弹奏的无意识控制成为有意识的控制。虽然动作的无意识是练习的最终目标，但同样需要经常有意识的练习来保证无意识控制的准确与稳固。

谱型的记忆

这是将乐谱作为记忆的主要依据。

伟大的作曲家舒曼曾经说过这样一句话：“你必须练习要看到纸上的乐谱，才懂得音乐的进行，以及每个音符在键盘上的位置。”

每首乐曲都有它谱面的“形状”，许多钢琴家都能把乐谱上所记载的一切都记在脑中，能在演奏时“看到”乐谱，甚至会看到谱子是如何一页一页翻过去的。

谱形记忆是背谱的基础之一。极少数钢琴家能够做到只读谱子一遍不练就能将乐谱背出。当然，这是一种特殊的才能，但只要你经常加强读谱练习，任何演奏者都能拥有这种背谱的能力。

在背谱时要先看着乐谱非常仔细地缓慢地练习，到你能弹奏得比较准确之后，再重复那些你觉得复杂的地方，直到记住作品的整个结构为止。

这时你可以把乐谱放到一边，回忆这首作品的乐思，当接不下去的时候，你的脑子应下意识的思索，努力找到断掉的乐思，如果什么都记不起来，就要在乐谱查看这个连接的地方，继续看谱练习，直到大的轮廓上和小的细节上都看清楚记住了再背谱弹奏。

练习时将你眼睛看到的乐谱都储存在大脑中，在反复回忆乐谱的同时，音符、节奏和各种记号都变成音乐，一同记忆在大脑中。

需要注意的是，背奏时要一乐句一乐句地背，不要一小节一小节地背。乐句是音乐的基本单位，而不是小节（除非乐句的长度恰好和小节一样）。

背奏是背音乐的思想，不是背乐谱上的符号。许多人浪费很多时间去单个背记那些黑色的音符，这是荒唐而无意义的。要背记音乐的思想，背记作曲家的构想，这才是需要抓住的东西。

分析的记忆

这是将对于作品的理性分析作为记忆的主要依据。

对于能迅速背奏的人，不用在这方面花费太多的精力。有的人似乎天生一幅敏捷的头脑，能在极短的时间内在头脑里留下印象。可是有时这种印象来得快，消失得也快。对于背奏能力差的人也不必烦恼，只要能坚持练习分析记忆，也会有很大的提高。

你越是多分析，谱子就越牢固的留在脑中。对于一首作品，分析得越细致、越深刻、越透彻，这种记忆也就越牢靠，能深深刻入脑海，甚至很久都不会忘。

分析包括曲式结构、调性布局、和声进行、对位复调、织体变化等等。如果演奏者能对音乐的每一个细节都了如指掌，做过清晰地分析，那么，这类对音乐作品分析的记忆，尤其是对曲式大结构框架的记忆，与前几种方式相比有更深刻的理性特征，因此更加牢固。

即使多年没有演奏过的乐曲，我们仍然能够通过对骨架结构的掌握和对曲式结构的分析记忆，将整个乐曲背奏下来。

例如，我们要对和声的要素加以分析好好牢记，和弦是音乐的文字，和弦的连接虽不像句子中文字的连接那样简单，但是和声中和弦的模进，对背奏却大有帮助。

因此，理性的分析记忆是整个记忆过程中的骨架。只有在音乐的动机、乐句、乐段、曲式、结构、和声、织体、调式调性等内容记忆准确的基础上，才能实现完美的背谱演奏。

那么应当如何分析呢？

这里以卡尔·莱默尔对巴赫《E大调法国组曲》中《阿勒芒德舞曲》第一小节的分析为例：“E大调，4/4拍。大声并短促的数节拍。

第一小节右手仅仅是带有两个经过音的E大调三和弦的和弦音。其顺序为：在弱起的b1之后是以升g1开始的E大调三和弦；之后是作为经过音的a1、和弦音b1及 e2、e1、e2，升f1也作为经过音，之后是e2。接下来是对这一小节前半部的完全重复。

左手从第二个八分音符开始，其顺序为：e、升g、b、e1以及E大调三和弦的反复。” 这样细致的分析使人印象深刻，很难忘记，即使中断也能够通过回忆接着弹下去，使得记忆牢靠。

以上五种记忆方式不是相互割裂、孤立进行的，每种方式各有各的用处和长处，它们之间很自然的相互渗透，以致在实际背谱过程中很难分出次序。

每个人都有自己习惯的背谱方式，个人的侧重点也会有所不同。然而有一点可以确定，我们决不能仅仅依靠其中一种方式记忆的，演奏者只有通过依靠眼耳身脑的协作，才能建立起牢固的记忆。

同理，音乐之路，梦想之路，也从来不是单一的努力就能收获成功！